SEMESTRE 2 : Ateliers B au choix

Vous devez effectuer une inscription pédagogique concernant vos ateliers pour ce semestre, vous devez choisir 1 atelier parmi ceux proposés en ATELIERS A ; 1 autre parmi ceux proposés en ATELIERS B ; 1 dernier parmi ceux proposés en ATELIERS Z = 3 inscriptions pédagogiques à réaliser. 

!! Les étudiant·es qui sont inscrit·es au Studio modulaire sont dispensé·es de l'inscription pédagogique en atelier A et atelier B. Attention, vous devez toutefois vous inscrire en atelier Z. 

-       Sous l’image, la machine (Tournage et Post-production), avec Laura Gozlan
 
-       De la pierre à la feuille - atelier lithographie, avec Myriam Mechita
 
-       CORPS, avec Phil Stephens

-       La gravure taille-douce en couleurs, avec Julien Pelletier

-       Le Studio Modulaire, avec David Dronet, Christophe Bouder, Nicolas Germain, Alice Ricci 
 
 

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1. Sous l'image la machine (L. GOZLAN)

 

________________________ FICHE DE COURS – 2025-2026______________________

Nom et prénom de l’enseignant·e : GOZLAN Laura

Titre du cours : Sous l’image, la machine

Sous-titre du cours : Tournage et Post-production

Nom de la ou du technicien associé : Eddy Manerlax, Camillo Bayter, Cécile Orthola-VanHove 

Prérequis pour les étudiant·es :  Aucun prérequis, si ce n’est peut-être quelques notions de prise de vue en vidéo. Il s’agit surtout d’être ouvert·e au travail devant et derrière la caméra, aux temps collaboratifs, aux arpentages de films.

Contenu détaillé du cours : Le cinéma construit des mondes, mais il lui arrive parfois de révéler la structure même qui soutient cette construction. Lorsqu’un film expose son dispositif — plateaux visibles, caméras intrusives, narration assumée — il transforme la représentation en espace d’analyse. Ce geste n’a rien d’un effet de style : il engage une manière de penser la fiction, le regard et les mécanismes du pouvoir. Il en va de même en performance : dès lors que le corps agit dans un espace où les règles et les conditions de fabrication restent perceptibles, l’image devient le résultat d’un protocole plutôt qu’une illusion. Ce qui compte n’est plus seulement ce qui est montré, mais la manière dont ça prend forme.

Certaines œuvres s’appuient précisément sur ce dévoilement du dispositif. Dans Dogville, Lars von Trier choisit un plateau nu comme principe de mise en scène. Les lignes tracées au sol, la frontalité, l’absence de murs et la réduction extrême des objets empêchent toute immersion réaliste : l’espace devient une maquette des relations, un laboratoire où les comportements s’observent plutôt qu’ils ne s’enrobent de réalisme. Cette exposition du dispositif n’est pas un jeu formel ; elle permet au film de rendre visibles des structures de domination qui, dans un cadre naturaliste, seraient neutralisées.

Peter Watkins, dans une démarche aussi différente que radicale, déplace ce dévoilement vers le documentaire. Ses films reposent sur des reconstitutions, des entretiens impossibles, une caméra intrusive et la participation d’acteurs non professionnels. Rien n’y est présenté comme une prise directe sur le réel : la fabrication du film fait partie du film. Watkins transforme la scène documentaire en dispositif critique, qui met en crise les institutions filmées en exposant leurs logiques de pouvoir.

Joan Jonas explore cette même logique depuis la performance. Dans Songdelay ou Vertical Roll, l’espace devient un champ d’action où gestes, répétitions, adresses directes à la caméra et déplacements construisent une image en train de se faire. Le dispositif est corporel autant que spatial: la caméra ne se contente pas d’enregistrer, elle participe activement à la relation. Montrer la fabrication du geste — ses règles, son cadre, son rythme — devient une façon de questionner les conventions de la représentation et la manière dont le corps y est engagé.

Ces références forment l’arrière-plan du workshop qu’on mènera pendant cinq jours dans l’auditorium. On transformera cet espace scénique en laboratoire pour tester l’effet des dispositifs sur les images. Il s’agira d’explorer l’usage visible du plateau, de travailler des gestes performatifs qui révèlent leur propre construction et de mettre en lumière les règles, les contraintes ou les protocoles qui organisent chaque prise de vue.

Chaque groupe réalisera un court film expérimental pensé comme une réflexion active sur ces enjeux. L’objectif n’est pas de raconter une histoire, mais de comprendre comment un plateau, un corps ou une caméra — lorsqu’ils sont rendus visibles — deviennent des outils critiques. L’auditorium sera abordé non comme un décor, mais comme un espace d’essai où l’image peut révéler sa construction et susciter une pensée.

Chaque séance commencera par la découverte d’une œuvre projetée en grand format, afin de nourrir et d’orienter les expérimentations du jour. Les films en cours réalisés par les étudiant·e·s seront également projetés en fin de semaine, toujours en grand, pour permettre une analyse collective.

Références bibliographiques et/ou webographiques : 

Culloden, Peter Watkins, BBC, Royaume-Uni, 1964, 69 min.

 

La Commune (Paris, 1871), Peter Watkins, 13 Productions / La Sept-Arte, France, 2000, 345 min.

 

Dogville, Lars Von Trier, 2003

 

Songdelay, Joan Jonas, 1973

https://ubu.com/film/jonas_songdelay.html

 

Vertical Roll, Joan Jonas, 1972

https://ubu.com/film/jonas_vertical.html

 

D’autres références et extraits filmiques seront ajoutés pendant l’atelier.

Méthode d’enseignement : Atelier

Objectifs du cours : Réaliser un film expérimental en activant le plateau comme dispositif et en rendant visibles les gestes qui produisent l’image.

Connaissances et/ou compétences transmises grâce à ce cours :
- Expérimenter devant et derrière la caméra.
- Appréhender la dimension physique et collaborative du tournage, notamment en studio (expérimentations optiques, lumière, cadre).
- Explorer différentes écritures à travers le projet, le tournage et le montage image et son.
- Mettre en dialogue sa pièce avec d’autres propositions pour repérer une écriture propre.

Modalités et critères d’évaluation : 50% contrôle continu (assiduité, investissement, travail collectif) et 50% pour le rendu (prise de risque, précision, pertinence)

Dates ou période pressentie des rendus pour les étudiant·es : Avril 2026

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2. De la pierre à la feuille (M. MECHITA)

________________________ FICHE DE COURS – 2025-2026______________________

Nom et prénom de l’enseignant·e : MECHITA Myriam

Titre du cours : De la pierre à la feuille - atelier lithographie 

Nom de la ou du technicien associé : Théophile BERTHEMET

Prérequis pour les étudiant·es : Une pratique du dessin

Contenu détaillé du cours : A partir d’un corpus de travail graphique, de dessins sur feuilles ou carnets, un seul dessin sera adapté et reporté sur la pierre lithographique et retravaillé afin d’obtenir une version « augmentée » soit par la couleur soit par un ajout de motifs ou autres formes

Références bibliographiques et/ou webographiques : Stephane Blanquet, Le Dernier Cri,  Emil Ferris, Blast de Larcenet.

Méthode d’enseignement : Cours en atelier, approche technique, suivi du développement du travail au fur et à mesure du déroulement des jours de cours et selon l’avancée du travail sur la pierre.

 

Objectifs du cours : Acquisition des bases du report et de l’impression lithographiques.

Connaissances et/ou compétences transmises grâce à ce cours : Analyse et transcription graphique d’un dessin afin de le reproduire sur la pierre. Apprentissage des gestes techniques du report, de la morsure et les rudiments de l’impression.

 

Modalités et critères d’évaluation : L’évaluation est basée sur l’acquisition des gestes techniques, de l’investissement et l’engagement dans le travail et la qualité des réalisations.

Dates ou période pressentie des rendus pour les étudiant·es : NR.

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3. CORPS (P. STEPHENS)

________________________ FICHE DE COURS – 2025-2026______________________

Nom et prénom de l’enseignant·e : STEPHENS Phil

Titre du cours : CORPS

Prérequis pour les étudiant·es :  Aucun.

Contenu détaillé du cours : Depuis la préhistoire l'humain éprouve le besoin de créer des images de lui-même pour diverses raisons et à diverses fins.

A travers l'histoire de l'art une pluralité de visions a été développé pour représenter ou évoquer différents aspects du corps, celle-ci continue et continuera à se ramifier à l'époque contemporaine.

Cet atelier se penchera sur les multiples façons d'aborder ce sujet-objet-obsession dans une pratique artistique aujourd'hui, principalement par la création sculpturale mais pas seulement. Autour (avant, pendant, après) de ses créations tridimensionnelles l'étudiant-e devra produire un corpus de travail composé de nombreux éléments en employant au moins deux autres médiums distincts de son choix (dessin, vidéo, photo, peinture, écriture, performance, installation, estampe etc etc...).

Références bibliographiques et/ou webographiques : Documents et références sélectionnés en fonction des travaux engagés.

Méthode d’enseignement : Présentation en mode magistral, pratique en atelier.

Objectifs du cours :
- Commencer ou continuer la sensibilisation à la vaste diversité de matériaux et les gestes associés à leur transformation.
- Développer davantage le sens haptique et l'appréciation du potentiel des matériaux à créer des formes en volume.
- Appréhender la notion de la recherche par l'expérimentation, les rapports possibles entre les médiums et travaux et donc la transdisciplinarité en réalisant un ensemble de travaux avec des matériaux et médiums divers dont la sculpture.
- Aborder les notions de l'accident, l'erreur, l'inattendu, la sérendipité et l'invention. 
- Enrichir les connaissances historiques et contemporaines.
- Prendre conscience des différents enjeux possibles d'une pratique plastique.

Connaissances et/ou compétences transmises grâce à ce cours : 
- Certaines connaissances en histoire et évolution de la sculpture jusqu'à sa pratique contemporaine. Certaines connaissances en matériaux et leurs associations : techniques, poétiques, esthétiques etc.
- Certaines connaissances des gestes, pratiques, outils et techniques de transformation des matériaux.
- Certaines connaissances des enjeux d'une pratique artistique.

Modalités et critères d’évaluation : Évaluation en continu le long de l'atelier, pendant les sessions et sur les travaux finalisés en fin de la période de l'atelier.

Dates ou période pressentie des rendus pour les étudiant·es : Évaluation en continu le long de l'atelier, pendant les sessions et sur les travaux finalisé en fin de la période de l'atelier.

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4. Gravure (J. PELLETIER)

________________________ FICHE DE COURS – 2025-2026______________________

Nom et prénom de l’enseignant·e : PELLETIER Julien

Titre du cours : La gravure taille-douce en couleurs

Sous-titre du cours : Création d'une gravure imprimée à l'aide de deux plaques de métal

Prérequis pour les étudiant·es :  IMPORTANT : pour vous inscrire, vous devez déjà avoir effectué l'initiation gravure en taille-douce (connaître les bases techniques : eau-forte, aquatinte, impression). Le matériel est fourni par l'école.

Contenu détaillé du cours :

1. Esquisses de l'œuvre / compositions graphiques (2 à 3 pistes créatives).
2. Réalisation des matrices gravées : le report au calque ou à la contre-épreuve, la superposition/séparation des couleurs, le travail des matières et des effets gravés. Éventuellement découvrir de nouvelles techniques de gravure telles que le vernis mou, l'aquatinte au lavis, l'aquatinte au sucre, etc.
3. Impression de la gravure : le repérage, l’encrage à la poupée. Tests de plusieurs rapports colorés. Rendre trois exemplaires propres et identiques.

Références bibliographiques et/ou webographiques : NR

Méthode d’enseignement : Pratique artistique en atelier

Objectifs du cours : Concevoir et réaliser une gravure en couleurs sur deux plaques de métal et l'éditer en plusieurs exemplaires « dans les règles de l'art ».

Connaissances et/ou compétences transmises grâce à ce cours : NR.

Modalités et critères d’évaluation : 
- Qualité et diversité des expérimentations graphiques.
- Maîtrise des techniques de gravure employées et qualité des impressions (propreté des tirages).
- Assiduité et investissement personnel.

Dates ou période pressentie des rendus pour les étudiant·es : NR.

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5. Studio Modulaire (D. DRONET, C. BOUDER, N. GERMAIN, A. RICCI)

________________________ FICHE DE COURS – 2025-2026______________________

 

Enseignant·e : DRONET Davis, BOUDER Christophe, GERMAIN Nicolas, RICCI Alice

 

Titre du cours : Création en environnement numérique

 

Nom de la ou du technicien associé : Alexis CHOPLAIN, Arnaud GABARD

Prérequis pour les étudiant·es : ATTENTION, cet atelier est réservé aux 8 étudiant·es de DNA2 Art déjà inscrit·es au semestre précédent (COUEPEL Azenor, DESCLOS Coline, JEONG Mihui, KIM Seungyoon, LELONG Luanne, LENOIR Clara, OH Sohyeon PAIS LEBEAU Esteban).

Contenu détaillé du cours :

Le studio modulaire fait partie du pôle Image, Son & Numérique, pôle dédié à la production d’œuvres audiovisuelles et/ou aux pratiques liées aux nouveaux outils numériques.

Le Studio Modulaire repose sur l’exploration créative des techniques/technologies numériques, sonores et électroniques. De par la nature même des outils, leur complexité de mise en œuvre et les multiples compétences requises, le travail en équipe s’impose comme une nécessité. Cependant, durant l’année, les étudiant·es définissent un projet de création personnelle. Le développement de ces projets s’appuie sur un ensemble de modules techniques proposés par l’équipe encadrante du Studio Modulaire (son, code informatique, 3D, électronique…). Les étudiant·es participent donc collectivement aux sessions leur permettant de gagner en autonomie de travail et d’assumer la réalisation de leur projet, avec le soutien des enseignant·es, du technicien référent de l’atelier et la collaboration de la technicienne de l’atelier son.

DNA2

> 1 module technique au choix : MAX MSP, électronique, 3D, Code créatif (voir annexe)

> projet personnel

> Module pro & Culture Club, suivi de projets (voir annexe)

 

Pour les DNA3 et les M1

> 2 modules techniques (voir annexe)

> Module pro & Culture Club, suivi de projets

> Projet personnel

> Tutorat DNA2

> Workhop Caen/La Haye/Reykjavik (8 places)

Références bibliographiques et/ou webographiques :

Pour comprendre les médias, Marshall Mc Luhan (Points-Essais, Paris, 1968)

Déjouer l’image (Créations électroniques et numériques), Anne-Marie Duguet (Éditions Jacqueline Chambon, Nîmes, 2002)

L’art numérique, Edmond Couchot et Norbert Hillaire (Champs/Flammarion, Paris, 2003)

Code de création, John Maeda (Thames & Hudson, Paris, 2004)

Nouveaux médias, nouveaux langages, nouvelles écritures, Ouvrage collectif, coordonné par Colette Tron (L’entretemps, Paris, 2005)

L’art a-t-il besoin du numérique ? (Colloque de Cerisy), Jean-Pierre Balpe & Manuela de Barros (Hermès, Paris, 2006)

L’art numérique, Christiane Paul (Thames & Hudson, Paris, 2004)

L’art Internet, Rachel Greene (Thames & Hudson, Paris, 2005)

Les nouveaux médias dans l’art, Michael Rush (Thames & Hudson, Paris, 2005)

Lichtkunst aus Kunstlicht / Light Art from Artificial Light, Peter Weibel and Gregor Jansen (ZKM, 2006)

Art des nouveaux médias, Mark Tribe & Reena Jana (Taschen, Köln, 2006)

Arts et nouvelles technologies - art vidéo, art numérique, Florence De Mérédieu (Editions Larousse, 2011)

A Touch of Code: Interactive Installations and Experiences, (Gestalten, 2011)

Art et numérique en résonance, Dominique Moulon (Co-édition Maison populaire et Nouvelles Éditions Scala, 2015)

Le mirage numérique — Pour une politique du big data, Evgeny Morozov (Éditions Amsterdam, collection Les prairies ordinaires, 2015)

A quoi rêvent les algorithmes : Nos vies à l’heure des big data, Dominique Cardon (Seuil, 2015)

Open Codes. Leben in digitalen Welten, Peter Weibel (ZKM, 2017)

Coder le monde - Mutations/Créations, (Editions Hyx, 2018)

L’art au-delà du digital, Dominique Moulon (Nouvelles éditions Scala, 2018)

Culture numérique, Dominique Cardon (SciencesPo, Les presses, 2019)

Sound Art, Sound as a medium of art, Peter Weibel(ZKM, 2019)

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Méthode d’enseignement :

• Le premier semestre privilégie les apprentissages techniques (modules techniques) et la mise en forme d’un dossier d’intention.
• Le second semestre permet le développement, le suivi et la réalisation de projets personnels et/ou collectifs
• Toute l’année les étudiants rencontreront régulièrement des artistes et des professionnels des champs concernés.

Objectifs du cours :

Le Studio Modulaire est à la fois un lieu physique et un proposition pédagogique fondée sur l’hybridation des connaissances (une culture numérique, des connaissances techniques des langages et logiciels pour la création artistique, une capacité critique de l’utilisation des nouvelles technologies), une méthodologie de travail qui permet l’articulation entre le soft (langages, logiciels) et les procédés de fabrication (impression 3D, hardware, etc.) et qui privilégie des contacts avec le milieu professionnel, l’environnement et l’actualité culturelle.

Connaissances et/ou compétences transmises grâce à ce cours :

•         Initiation interactivité et visite virtuelle
•          Initiation électronique
•          Initiation 3DS MAX
•          Initiation Code créatif
•          Conceptualisation et développement d’un projet personnel
•          Réalisation de dossiers artistiques

Modalités et critères d’évaluation :

-    Méthodologie dans la mise en œuvre du projet

-    Qualité conceptuelle, plastique et technique du projet final

-    Implication dans l’implication collective de l’atelier

Dates ou période pressentie des rendus pour les étudiant·es : Fin décembre

+ Mai 2025

Annexes Studio Modulaire :

MODULES TECHNIQUES OPTIONNELS

Module Électronique (Alexis Choplain)

L’objectif de ce module est de se familiariser avec l’environnement technologique analogique à l’origine des pratiques numériques.

Il s’agira de manipuler les différents outils nécessaires à la conception et à la fabrication de circuits électroniques avec des composants physiques (résistances, diodes, condensateurs, transistors, etc…) et d’acquérir les bases nécessaires au contrôle de moteurs, de la lumière et d’information sous forme de signal électrique. En lien avec le Studio son les étudiants prototyperont et  usineront collectivement un synthétiseur modulaire.

3D (Christophe Bouder),

Découverte de l'interface et des actions simples sur les objets

Manipuler les outils de modélisation de base (polygonale)

Texturer un objet

Mettre en lumière

Mettre en scène

FreeCad

Dessiner des plans

Associer des cotes

Modéliser un volume

Sortir des plans cotés

Meshroom

Photographier un objet ou une scène

Générer un nuage de points

Créer un maillage 3D

Faire de la retopology

Module Max MSP

Happy Patching (Nicolas germain)

Max est un logiciel de programmation graphique qui permet de traiter, de générer et d'interagir avec des données MIDI, des flux audio, vidéo, et tout autre type de données, comme celles provenant de capteurs.

Découverte et initiation

Communication MIDI

Synthèse et traitement audio

Manipulation vidéo

Interactions

Module Code Créatif (Arnaud Gabard)

Ce module propose une approche du langage informatique permettant la réalisation de systèmes et de montages constitués de capteurs (présence, son, lumière…), de composants programmables (Arduino, Raspberry Pi…)  et d’actionneurs (moteurs, lumières, lecteurs de sons et images…) permettant le contrôle, le pilotage ou l’automatisation d’animations ou d’interactions intégrés à des dispositifs plastiques. 

Modules Obligatoires 

Module Pro (David Dronet)

Suivi de projets, veille, actualités et initiation au montage de dossiers, budgets…

Association de chaque étudiant à un artiste de la programmation d’]interstice[ dès octobre (suivi, assistanat…)

Culture Club (David Dronet)

Rencontres avec des artistes en résidence à Caen (matinée présentation et table rondes, après-midi entretiens personnels)